ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン（独: Ludwig van Beethoven、標準ドイツ語ではルートヴィヒ・ファン・ベートホーフェンに近い 、1770年12月16日ごろ - 1827年3月26日）は、ドイツの作曲家、ピアニスト。音楽史上極めて重要な作曲家の一人であり、日本では「楽聖」とも呼ばれる 。その作品は古典派音楽の集大成かつロマン派音楽の先駆けとされ、後世の音楽家たちに多大な影響を与えた。 2020 All Rights Reserved. そしてベートーベンの曲の特徴は即興を許さないところにあります。演奏の記号が厳しく指定されているということはもう縁に作品として完成していることを意味します。テンポを変えるなど、恣意的な演奏は絶対に許さないわけです。
ベートーベンの各時代の音楽の特徴をわかりやすく教えて頂けないでしょうか？いくつか資料やホームページで調べてみたのですが、説明が専門的で意味が理解できませんでした。どなたか、素人にもわかるよう説明して頂けるとありがたいです。また、後世に与える影響などもお願いします。 2006年、二つの映画が公開されました。一つはベートーベンと女性写譜師の交流を描く「敬愛なるベートーベン」、もう一つは史実に基づき第一次世界大戦で旧日本軍の捕虜となったドイツ軍兵士の交流を描いた「バルトの楽園」です。この二つの映画は、あるベートーベンの楽曲をストーリーの主軸においています。その楽曲こそが交響曲第九番なのです。交響曲第九番は、ベートーベン晩年の1824年に完成したベートーベン最後の交響曲です。交響曲第九番の最大の特徴は、合唱を取り入れていることです。そもそも声楽と交響曲は交わらないものと長年考えられてきましたが、ベートーベンによって一般的な形に仕上げたのです。交響曲第九番は日本では「第九」と呼ばれ、年末の風物詩としても親しまれています。「第九」といえば最初に思い浮かぶのが、「歓喜の歌」ではないでしょうか。「歓喜の歌」の歌詞は、全てがベートーベンの作詞ではありません。元々はドイツを代表する作家の一人であるフリードリヒ・フォン・シラーによって書かれた「歓喜に寄す」という詩を元にして、ベートーベンが編集したものを使用しています。ベートーベンは冒頭の「おお友よ、このような音ではなく心地よい歓喜に満ちた歌を歌おう」の部分を書き足しただけなのです。交響曲第九番は、どうしても「歓喜の歌」だけがクローズアップされることが多いのですが、第一楽章から通して繰り返し聴くと新しい驚きを発見できる、素晴らしい楽曲であるといえます。第一楽章の冒頭ではテレビCMなどでも使用されるフレーズが提示され、トレモロなどの反復演奏によって内容がどんどんと膨らんでいきます。第九は、第一楽章からクライマックスとなる「歓喜の歌」への伏線が張り巡らされていくという、計算された構成になっています。弦楽器の軽やかで心地よい音の重ね方や、管楽器によるメロディの盛り上げ方など、まさにベートーベンの作風の集大成であるといえます。「歓喜の歌」自体は単品でも十分に素晴らしい楽曲であるといえますが、時間を掛けて第一楽章から通しで聴くことでその魅力は何倍にも高まるのです。日本では、憲法第九条と第九を関連付けたコンサートを開く団体などがありますが、ベートーベンはそんな矮小な目的のために第九を作曲したわけではありません。ベートーベンが第九に込めたのは、シラーの「歓喜に喜す」に込められた「友人や愛する人のいる人生の素晴らしさ」なのです。ベートーベンは癇癪もちではありましたが、交流を深めた友人も不滅の恋人もいましたし、音楽と難聴を通して生きていることの素晴らしさを知っているのです。だからこそ、200年近くも人々に受け継がれる不滅の音楽となった第九を作曲できたのではないでしょうか。 人の行うこと全てには、千差万別の個性が現れます。美術や音楽などの創造的な分野において、そのような個性を「作風」と呼びます。作風には、その人が影響を受けた音楽家や芸術家の影や、その人の持つ感情や考え方が如実に現れます。ベートーベンは、いわゆる「古典派」から「ロマン派」への移行期に活躍した、二つの時代の架け橋を務めた作曲家です。そのため、ハイドンやモーツァルトなどの古典派の代表格から影響を受けた部分と、ロマン派の礎となる部分をその作風に内包しているのです。音楽分野におけるロマン派は、1800年代初頭に現れた新しい音楽文化です。古典派とロマン派の活動した時代は重なっており、相互に影響を及ぼしていたことは想像に難くありません。ロマン派音楽は、同時期にドイツ文学で発生した「シュトゥルム・ウント・ドラング（疾風）」運動の影響を受けており、「理想と現実」「標題音楽と絶対音楽」といった対立関係をテーマとした作風を持っています。ロマン派が活躍した時代は音楽的な技法においても発展を見せた時代であります。また、ロマン派音楽では「楽曲に表題は必要か」という議論が行われていています。自分の楽曲に表題をあまりつけなかったベートーベンの活躍した時代ならではの議論といえます。ベートーベンは、1787年に尊敬するモーツァルトと出会うまで誰かに指示しなかったわけではありません。1782年に、ベートーベンは宮廷オルガニストを勤めていたクリスティアン・ゴットロープ・ネーフェに師事しています。当時12歳のベートーベンは、父ヨハンからのスパルタ教育によって天才ピアニストとして売り込みされていました。父親の情熱が才能の育成のためではなく、自分の飲み代を稼がせるためであることにうすうす気づいていたベートーベンは、音楽が嫌いになりかけていたのです。そんなベートーベンを救ったのがネーフェなのです。ネーフェは、ピアニストとしてだけの教育を受けていたベートーベンに作曲方法を指南し、自分が持っていたバロック時代の楽譜を貸し与えて音楽を楽しむことをベートーベンに教えたのです。もしも、ベートーベンがネーフェに出会っていなければ、「二十歳過ぎればただの人」な元・神童として一生を終えていたかもしれません。現にベートーベンは、ネーフェに「もし僕が将来偉くなることがあれば、それは全てネーフェ先生のおかげです」と伝えているのです。一期一会には、必ず意味があるのです。ベートーベンがハイドンに師事したことで得られたのは、少なかったといわれています。この時期のハイドンは名声をさらに高めるための活動を熱烈に行っていた時期だからです。ハイドンがベートーベンに提出した課題も、245曲中42曲しか添削されていなかったという逸話が残されているほどです。そのため、ハイドンに師事していた時期のベートーベンは、並行してヨハン・シェンクやアントニオ・サリエリにも師事しています。サリエリは後に、ベートーベン幻の交響曲となる「ウェリントンの勝利」の初演にも参加して打楽器の指揮を担当しています。映画「アマデウス」では、嫉妬深い人物として描かれていた去サリエリですが、面倒見のいい音楽家だったのです。この時期に学んだ作曲技法などは、「ハイリゲンシュタットの遺書事件」後の「傑作の森」時代で大いに発揮されることになります。これらの出会いによってベートーベンは、技術を磨き自分なりの音楽の作風を見出していくことになります。難聴の自覚と進行によって、ベートーベンが自分の命を絶つことまで考えた1802年以降、ベートーベンの作風は脱皮を果たしていくことになります。初期の作風はモーツァルトやハイドンの影響を受けていましたが、それをスパッと切り捨てて実験的な構成を取り入れたり、一般的ではない技法を取り入れたりといった変化が見られてきたのです。「学ぶ」という言葉は元々「まねぶ」であり、人の真似から自分自身のオリジナルにしていくことであるといわれています。この時期のベートーベンは、人真似から自分だけの個性を築きあげていったのです。論語では、40歳を越えると「不惑」といって迷いがなくなってくるとされています。しかし、ベートーベンの不惑以降は迷いと焦りに彩られた時期であったといえます。甥カールの養育権をめぐる争いや、スランプによる停滞などで作曲できなかった時期が存在しています。しかし、晩年のベートーベンの作品には堂々とした風格があり名作として現代に語り継がれるものばかりになっています。晩年の代表作には「ミサ・ソレムニス」「交響曲第七番」「交響曲第九番」などがあります。この時期のベートーベンは、完全に自分だけの作風を確立していて、より楽曲の完成度を高めることに執心していたようです。「傑作の森」時代を過ぎたベートーベンは、より高みを目指し続けるようになったのです。
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